画家とデザイナーの脳みそ(絵画・Webデザインの雑記帳)

お絵かきはしないけど、役には立っている…アシスタント・「アトム」の生活。
お絵かきは、デジタルとアナログの共同作業。
「弘法筆を選ばず」とは言いますが、やっぱり選んでしまう道具の良し悪し。
知っておきたい特殊な絵筆…ファンとライナーの正しい使い方。
画材と名の付くものばかりが画材ではない…工夫次第で不便を解消。
人物は、モデルを使わず、それぞれの作品ごとにデザインするのが「揺り籠」流。
映像取材はデジカメで…。必要なことは気を体感すること。場合によっては文章スケッチも…。
どうでも良いけど、どうでもよくない話。
お絵かきもデザインも最初が肝心。基礎に確信が持てないと先には進めない。
何の変哲もない映像を魅力的なものに変える。

悠々自適…「アトム」の生活。　(記/アトム) 僕が朝起きてまずする仕事はおじさんを起こすことです。でも、おじさんは朝が苦手なのでなかなか起きてくれません。いくら起こしても起きないときは、仕方がないから僕も朝ごはんを諦めて、また寝てしまいます。アトリエでの僕の仕事は、時々モデルを務めることと、おじさんが落ち着いて仕事ができるようにご機嫌をとること。後は、食べて寝るだけです。でも、時々家の中で駆けっこもするよ。できれば外でのびのびと遊びたいんだけど、外は自動車が走っていたりして危険がいっぱいだとおじさんが言うので、散歩のときは、紐でつながれて、おじさんと一緒に出かけます。	ねえ～、お腹すいたよ !…ご飯まだですかあ？ ★フォトレタッチ作品をまとめたPhoto Gallery-Atomもよろしくお願いします。 …いつもこんな顔しているわけではありません。
きもちいいにゃあ
きもちいいにゃあ			こんなにちっちゃい時もありました。ほとんど手乗り猫状態です。

性格的な特徴	アトムの好きな食べ物ランキング
好奇心旺盛で怖いもの知らず。以前、「コロ」という犬と一緒に暮らしていたせいか、犬を見てもそれほどびびることもない。そんなアトムでもやっぱり苦手なものがいくつかある。黒い洋服、掃除機、それとサンドペーパーだ。	1 位	笹かまぼこ
	2 位	いか
	3 位	マグロの刺身
	4 位	竹輪
	5 位	ハム

お絵かきはデジタルとアナログの共同作業。

絵を描くといっても、今はパソコンでたいていのことは出来てしまいます。グラフィックやペイントのソフトウェアも格段に進歩していて油彩画でも水彩画でも、また、その他の画材を使ったものでも平面映像を見る限りでは、アナログ画材で描かれたものと殆んど区別がつかないほどの画材に対するリアリティーを持っています。また、入力デバイスもペンタイプのものを使うと、筆の種類や筆圧、傾き、回転といった複雑な情報まで入力できるようになり、まったく実際に筆や鉛筆をもって描いているのと同じです。従って映像データを作成するだけならデジタルワークがお勧めです。　しかしながら、実際の紙やキャンバスに絵の具やパステル、筆、といった画材で描いて絵を「物」にするアナログ作業も捨て難く、また、魅力的なものです。アトリエ「揺り籠」では、絵画制作の前段階では時間が短縮できるデジタル作業が多く、制作プロセス全体を通してはデジタルとアナログのそれぞれの優れた面を活用しながら制作活動をしています。

「弘法筆を選ばず」とは言いますが、やっぱり選んでしまう「道具の良し悪し」。さて、道具の良し悪しは作品の出来に影響するか否か…ということですが、はっきりいって大いに影響します。場合によっては目的の作業が実行出来るか出来ないか、の違いがあります。そこで、現在、アトリエ「揺り籠」で使っている画材のいくつかを紹介してみようと思います。
●パレットパレットは、絵の具がたくさんのせられる角型の物を使っています。		●油絵の具
		●各種溶剤
●ナイフと筆	●パステルなどの固形画材
●アクリル絵の具と透明水彩絵の具		●タブレットタブレットは、パソコンでお絵描きするときの必需品です。

知っておきたい特殊な絵筆…ファンとライナーの正しい使い方。
		左の写真はファンという筆で、日本語では扇筆とも言います。油絵を始めてまだ間もない方には、「何だこりゃあ ?」 …と思うでしょうが、なんとも筆らしからぬ形をしたこの変な筆は、おもに油絵の制作において筆跡や輪郭をぼかすために使います。ただ、筆といいながらもこれは絵の具や油をつけて使うものではなく、むしろ絵の具や油を付けてしまうと役にたたない代物です。ですからこの筆を使うときは、絵の具が筆に付いていたら拭き取ってから使うようにしましょう。乾いてない画面に対してのみ有効なものですが、使い方にはちょっとしたコツがあります。ぼかしたい部分に軽く毛先を触れて、ほうきで掃くような感じで使います。決して筆を強く当ててはいけません。また、ストロークが一方向だけになってしまうとうまくぼかすことが出来ないので、掃いたら向きを変えて掃き戻すようにします。線や輪郭をぼかすときは、その方向と交差するように短いストロークで使いましょう。



上の写真はライナーという筆で、文字通り幅の揃った細くて滑らかな線を引くための筆です。ただの細筆じゃないかと思う人もいらっしゃるでしょうが、ライナーは写真を見て解るように、異常なほど長い毛足と毛先から毛元にかけて膨らみがほとんどないのが特徴です。ラウンドタイプの細筆とは根本的につくりがちがうのです。ただ、この筆は構造上、手の微妙な動きがダイレクトに伝わりにくいので、一般的な細筆のような使い方はできません。この筆の使い方は、絵の具をゆるめに溶き、毛先を軽くあてて描きます。ライナーは、たとえば、藤田嗣治さんの作品みたいに、線を多用するスタイルにしか使い道がありませんが、余裕があれば一本くらい持っていても良いかと思います。ここで紹介したもの以外にもいろいろ変わった筆がありますので試してみてください。

画材と名の付くものばかりが画材ではない…工夫次第で不便を解消。
超短くなってしまった鉛筆や最初から短いカーボンチョークなどを長～くする方法。
ホルダーペンシルは別として、ホルダーに対応していないチャコールやエボニーのペンシル、あるいは、最初から短いカーボンチョークなどを長くして使いたいとき、いらなくなったペン軸や細い竹の棒が役に立ちます。ペン軸の場合は、ペン先の差込口の中にある内側の押さえを、マイナスドライバーを使って反時計回りにまわして取り除きます。そして、そこに短くなった鉛筆を差し込みます。差し込むときには多少きついのですが、鉛筆をしっかりホールドするにはちょうどいい大きさなのです。一方、鉛筆より太いものに対しては、竹の棒が有効です。これは、差込口に十字の切込みを入れて輪ゴムで締めるだけのものですが、締め付ける力を素材によって加減できるので、木炭などのやわらかいものにも使えます。


キャンバスを張るときにどんなサイズでも端から端まで任意の数で等間隔でタックスを打つ方法。
キャンバスを木枠に張るときは、真ん中から四隅に向かってタックスを打ち進めていくわけですが、目測で打っていって、最終的に四隅の近くの間隔が゛広くなったり狭くなったりという経験はありませんか ? 間隔にむらがあっても大きな影響はありませんが、張りむらが出る恐れもありますし、見た目もよくありません。だからといって、定規で測って、計算で等分するのも面倒くさいし、やり過ぎです。そんなわずらわしさを解消するには、等間隔に印をつけたゴム紐を使うと、どんな長さでも任意の数で等分することが出来ます。使い方は、四隅の端と端のタックスを打ち込む予定の位置に印をあわせて、木枠の裏側にチョークなどで写し取ります。ゴム紐は帯状のものが使いやすく、ゴムひもに印を付けるときは５cm間隔が適当です。


絵の具が固まってキャップが取れなくなってしまったチューブを楽にあける方法。
絵の具は人によってどうしても、よく使う色と必要だけど殆んど使わない色があります。めったに使わない色なので、長い間キャップをあけることなく放っておいたらキャップに付いた絵の具がガチガチに固まって、取れなくなってしまった。…それを力任せに取ろうとしたら絵の具のチューブがねじれて破れてしまった。… そんな経験はありませんか？絵の具のチューブにも比較的丈夫な部分があります。プライヤーを２つ用意して、写真のようにキャップとその真下のチューブ本体を軽くつかんで回してみてください。簡単に取れますよ。

人物は、モデルを使わずそれぞれの作品ごとにデザインするのが「揺り籠」流

構想に妥協はない !(現実には多少の妥協はある)をモットーにしているアトリエ「揺り籠」の絵画制作にはちょっとしたこだわりがあります。それは、絵の中に登場する人物のことですが、特定の人物の肖像画意外はすべてモデルを使わないで制作しています。というのは、現実の記録ではないはずの「絵の世界」に、現存する人物を登場させるのは納得できないからです。
では、モデルを使わないでどうやって人物を描くのかということですが、まずは必須条件として人体の構造を覚えることが必要です。そして、基本的に人体の構造は誰でも同じなので、新しい作品に着手する度にその作品の構想にふさわしい人物 (顔立ちや体格、性格設定など)をデザインする訳です。
アトリエ「揺り籠」の絵画作品には人物が描かれているものが多いのですが、そのほとんどがデザインされた人物で、しかも人物を表現しようとして描かれたものではなく、ある物象を表現するために人物を利用しているだけです。従ってこれを人物画として位置づけるのは間違いです。これはなかなか理解されないことですが、人物が描かれているのだから人物画だろう、と判断する人がほとんどです。ついでですが、自信をつけるためにも皆さんにはぜひ、人体の骨格や筋肉について学ばれることを薦めます。

映像取材はデジカメで…。必要なことは気を体感すること。場合によっては文章スケッチも…。
絵を描くときは必ず前段階で取材をします。取材方法は人によっていろいろだと思いますが。私の場合、造形的な情報についてはデジタルカメラを使って出来るだけ細かくたくさん撮影することにしています。もちろん鉛筆などの画材を使ってスケッチブックに描くこともありますが、それは見た目の色や形を描きとめるというよりも、対象物とじっくり向かい合って、内的なものをより深く感じ取るためです。絵を描くための取材で一番大切なのは物事の内的なものを感じ取ることです。つまり「気」です。「気」をスケッチするって難しいと思いますが、そこはやはり感性の問題です。ですからそのスケッチは、時には文章の形で記録しておくこともあります。取材したものはすぐに使われるのではなく、とりあえず何らかの方法で保存しておいて、後で絵の構想がまとまったとき、それに順じて資料をさがす訳です。意外に思うでしょうが、このようなプロセスは一般的とまではいえませんが、珍しいことではありません。もともと絵のスケッチとはそういうものです。 ●スケッチ取材の主なアイテムスケッチブック／デジタルカメラ／ルーペ／筆記用具各種システム手帳／携帯電話

どうでもいいけど、どうでもよくない話。

じつは油絵を描いていて困っていることがあります。それは、油絵具の中に極端に乾きの遅い色があるということです。この色はメーカーによって違いがあるようですが、今メインに使っているブランドでは、オリーブグリーンがこれにあたるもののようです。　一度この絵の具に代わるものとして、原色を調合して試みましたが、残念ながら納得の得られる色にはなりませんでした。好きな色なのでよく使うのですが、この色を単独で使うときには必ず乾燥促進剤を混ぜています。
経験上知っていれば前もって対処できるのですが、絵の具の色によって乾燥時間にばらつきがあるというのは、不便であることにはちがいありません。
そこで、思うのですが、乾燥速度を調整する溶剤があるのですから、そういった絵の具は製造段階で調整しておけば、後々不便な思いをしなくてすむのではないでしょうか。これは、ぜひとも油絵具のメーカー各社のみなさんにお願いしておきたいと思います。

お絵かきもデザインも最初が肝心。基礎に確信が持てないと先には進めない。

「意の向くまま」とは言いますが、構想段階で不明瞭な部分があったり、納得できないことがある状態で先に進んでも決していい結果は得られません。これは経験上100%の自信を持って言えます。作業を進めているうちに何とかなるだろうなんて考えは、はっきりいって甘いです。
決まりがある訳ではありませんが、物事を創造・構築するのってやっぱり土台になる部分がちゃんとしてないとまともな物が出来あがる筈ないですよね。
デザインの現場では良くあることですが、制作時間の殆んどを構想に費やすことがあります。このことは、とりもなおさずクリエティブ作業の主たるものは構想にあり、ただ闇雲に手を動かすことでないことを物語っています。絵を描く場合でもまったく同じことです。
一般の方々にはなじみの薄い内情ですが、少しでも理解していただければ幸いです。

何の変哲もない映像を魅力的なものに変える。
「モデルや被写体がすべてを決定する」というのはひと昔もふた昔も前の話。今は映像加工もそれほど大変な作業ではなくなりました。むしろ理想に近い映像を得るためには加工なしでは成り立たない時代になりつつあるといえます。デジタル技術のおかげで、いろんなことが簡単に出来るようになりましたが、それだけに、構想の良し悪しが作品評価の最重要項目になったのも事実です。デジタルカメラで撮影した蜂の巣を切り抜いて、背景に円形グラデーションを使用しただけで、シュールな映像になりました。